Dmitrij Šostakovič (25 settembre 1906 - 1975): Concerto per violino e orchestra n. 1 in la minore op. 77 (originariamente pubblicato come op. 99; 1947-48), dedicato a David Ojstrach, che qui l’esegue, accompagnato dall’Orchestra filarmonica ceca diretta da Evgenij Mravinskij, in un concerto tenutosi a Praga nel 1957.

1. Notturno: Moderato
2. Scherzo: Allegro [10:58]
3. Passacaglia: Andante [17:13]
4. Burlesque: Allegro con brio – Presto [29:56]

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L’approfondimento
di Pierfrancesco Di Vanni

L’anima sotto assedio: il Primo Concerto per violino di Dmitrij Šostakovič

Il Concerto per violino e orchestra n. 1 in la minore occupa un posto unico e drammatico nel catalogo di Dmitrij Šostakovič. Composto tra il luglio 1947 e il marzo 1948, questo capolavoro nacque in uno dei periodi più cupi della storia sovietica e della vita personale del compositore. È un’opera di straordinaria densità emotiva, una confessione musicale che fonde il tragico, il grottesco e il sublime, fungendo da testimonianza di resilienza artistica contro l’oppressione politica.

Il contesto storico: la Zdanovščina e il cassetto
Per comprendere la natura introspettiva e a tratti violenta di questo concerto, è necessario guardare al clima politico del 1948. In quell’anno, il regime stalinista, attraverso il decreto di Andrej Ždanov, scatenò una purga culturale contro i cosiddetti “formalisti”. Šostakovič, insieme a Prokof’ev e Chačaturjan, fu pubblicamente umiliato, accusato di scrivere musica “anti-popolare” e “cerebrale”. Il Concerto fu completato proprio mentre queste accuse venivano formulate. Consapevole che un’opera così complessa, priva di ottimismo rivoluzionario e carica di pessimismo esistenziale, non avrebbe mai superato la censura, il compositore prese una decisione dolorosa: chiuse la partitura in un cassetto. L’opera rimase inedita e non eseguita per sette anni, fino a dopo la morte di Stalin (1953). Fu pubblicata inizialmente come op. 99, per poi riprendere la numerazione cronologica originale di op. 77.

La collaborazione con David Ojstrach
Il concerto è dedicato al leggendario violinista David Ojstrach, che fu non solo l’ispiratore ma anche un collaboratore attivo nella revisione della parte solistica. Questi definì l’opera come un «ruolo shakespeariano», sottolineando la necessità per l’esecutore di possedere non solo una tecnica trascendentale, ma una profonda maturità intellettuale. La prima esecuzione assoluta avvenne a Leningrado il 29 ottobre 1955, con la Filarmonica di Leningrado diretta da Evgenij Mravinskij, ottenendo un successo trionfale che segnò la riabilitazione artistica del compositore.

Analisi della composizione
A differenza della struttura classica in tre movimenti, il compositore opta per una forma in quattro movimenti, più vicina alla sinfonia che al concerto tradizionale. Questa struttura crea una simmetria bipolare: due movimenti ampi e meditativi alternati a due movimenti rapidi, demoniaci e sarcastici.
Il primo movimento è una lunga meditazione solitaria: non c’è un’esposizione tematica tradizionale e il violino emerge dal silenzio con una melodia errante, quasi senza fine, che ricorda il melos mahleriano. L’atmosfera è notturna, ma non romantica: è una notte fredda, carica di presagi. L’orchestra sostiene il solista con tessiture trasparenti, quasi cameristiche. Il violino sembra dialogare con sé stesso, esplorando registri gravi e desolati. È un soliloquio che stabilisce immediatamente il tono dell’opera: l’individuo solo di fronte all’infinito o all’oppressione.
Il secondo movimento rompe brutalmente l’incanto del Notturno. È uno scherzo “demoniaco”, caratterizzato da ritmi dinamici e una ferocia quasi violenta. Qui Šostakovič introduce per la prima volta in modo embrionale il motivo D-S-C-H, costituito dalle iniziali del suo nome nella grafia tedesca (Dmitri Schostakowitsch) espresse nella notazione alfabetica usata nei Paesi di lingua tedesca: D = re, S = Es = mi♭, C = do, H = si; motivo che diventerà il sigillo autobiografico del compositore. Un elemento cruciale è l’influenza della musica popolare ebraica. Šostakovič, pur non essendo ebreo, si identificava profondamente con la sofferenza del popolo ebraico, vittima in quegli anni di una nuova ondata di antisemitismo stalinista. I ritmi di danza freilach sono qui distorti, trasformati in un sabba frenetico e sardonico.
La Passacaglia è il cuore pulsante e tragico del concerto. Costruita su un tema ostinato di 17 battute affidato ai violoncelli e contrabbassi (e successivamente ai corni e ai legni), rappresenta una delle vette della scrittura tragica di Šostakovič. Sopra questo basso solenne e implacabile, il violino intona una preghiera di dolore universale. La Passacaglia funge da simbolo del destino ineluttabile. Il crescendo emotivo è travolgente, culminando in un’intensità quasi insopportabile prima di spegnersi e condurre direttamente alla cadenza.
Situata tra la Passacaglia e il movimento finale, la cadenza non è un semplice sfoggio di virtuosismo, ma un intero arco narrativo. È il ponte psicologico del concerto. Inizia riprendendo i temi del Notturno e della Passacaglia, per poi accelerare gradualmente in un crescendo di tensione tecnica (doppie corde, arpeggi rapidissimi, armonici) che sfocia nell’esplosione liberatoria dell’ultimo movimento. È una prova di resistenza fisica e mentale estrema per il violinista.
Il finale è una festa rutilante, ma di una gioia forzata e amara. Il termine Burlesque suggerisce una parata, un carnevale popolare. L’orchestrazione si fa più densa e brillante, con l’uso incisivo dei timpani e degli xilofoni. Nonostante l’apparente allegria, c’è un senso di isteria collettiva. Il solista si lancia in passaggi virtuosistici vertiginosi che portano il concerto a una chiusura frenetica e mozzafiato, lasciando l’ascoltatore in uno stato di catarsi esausta.

L’orchestrazione: un colore oscuro
L’orchestrazione di Šostakovič nel Concerto è peculiare. Manca del tutto il gruppo degli ottoni brillanti (trombe e tromboni), preferendo il suono più scuro e grave dei corni e della tuba. Questo conferisce all’orchestra una sonorità «fumo e nebbia», tipica del periodo bellico e post-bellico del compositore. I legni (flauti, oboi, clarinetti e fagotti) sono spesso usati in registri estremi per creare colori grotteschi o luttuosi. Grande rilievo è dato all’arpa e alla celesta, che nel Notturno e nella Passacaglia creano atmosfere ultraterrene e raggelanti.

Simbolismo e identità: il motivo D-S-C-H
Sebbene il compositore utilizzerà il motivo D-S-C-H in modo esplicito soprattutto nel Quartetto n. 10 e nella Sinfonia n. 10, qui esso fa la sua comparsa come affermazione di identità. Inserire il proprio nome in musica era un atto di ribellione silenziosa: «Voi potete censurarmi, ma io esisto, io sono qui». Il legame con la cultura ebraica, menzionato in precedenza, non è solo una scelta estetica, ma politica, in quanto il compositore vedeva nell’ebraismo un simbolo di vulnerabilità e di resistenza spirituale. La capacità della musica ebraica di «ridere attraverso le lacrime» risuonava profondamente con la sua poetica del grottesco.

L’eredità dell’opera
Il pezzo è considerato oggi uno dei fondamentali del repertorio violinistico del XX secolo (insieme a quelli di Sibelius, Bartók, Berg e Prokof’ev). La sua importanza risiede nella capacità di unire una struttura classica monumentale con un contenuto emotivo moderno e profondamente umano. Per i violinisti, rappresenta la sfida definitiva e addirittura Ojstrach, che lo suonò in tutto il mondo, osservò la «profondità del suo contenuto artistico», descrivendo la parte del violino come «un superlativo ruolo shakespeariano».

Conclusione
Il Concerto op. 77 è molto più di un brano virtuosistico; è un documento storico e psicologico. Rappresenta la voce di un artista che, privato della libertà di parola, affida al violino il compito di gridare, piangere e, infine, resistere. La sua transizione dal buio del Notturno alla luce (seppur distorta) della Burlesque riflette il viaggio di un uomo che attraversa il terrore per ritrovare la propria integrità. A oltre settant’anni dalla sua scrittura, questa composizione continua a scuotere le platee di tutto il mondo, ricordandoci che la grande arte è spesso il frutto di una lotta titanica tra lo spirito creativo e le forze dell’oscurità. È un inno alla libertà interiore che nessuna censura è mai riuscita a soffocare.