Un collage di scene tratte da diversi film, più o meno famosi, realizzato sulla base del valzer di Šostakovič (n. 7 della Suite per orchestra di varietà, c1956) reso celebre da Kubrick. L’autore del montaggio, VidMak, non ha specificato i nomi degli interpreti musicali.
Il blog entra in pausa: buone vacanze!
Dmitrij Šostakovič (1906 - 9 agosto 1975): Sonata per viola e pianoforte op. 147 (1975). Rémi Pelletier, viola; Philip Chiu, pianoforte.
L’approfondimento
di Pierfrancesco Di Vanni
Sonata per viola e pianoforte op. 147
Si tratta dell’ultima, commovente dichiarazione artistica di Šostakovič: completata poche settimane prima della morte e dedicata al violista Fëdor Družinin, questa composizione è un profondo viaggio introspettivo che riassume una vita di lotte, ricordi e, infine, di trascendenza.
Il primo movimento – che il compositore descrisse come una “novella” – si apre in modo enigmatico e quasi spettrale: la viola introduce il discorso con un arpeggio pizzicato, solitario e interrogativo, che vaga nell’aria come un pensiero sospeso. Questa scelta timbrica, che evoca l’inizio del Concerto per violino di Alban Berg, stabilisce immediatamente un’atmosfera di introspezione e fragilità. L’entrata del pianoforte non offre conforto, ma piuttosto una linea austera e quasi scheletrica, che si muove in un contrappunto scarno con la viola. La sezione centrale del movimento vede un aumento dell’agitazione e il dialogo si fa più denso e serrato, quasi a rappresentare il riaffiorare di ricordi più turbolenti. Tuttavia, la tensione non esplode mai completamente, ma si ripiega su sé stessa, ritornando alla desolazione iniziale. Il movimento si conclude come era iniziato, con il ritorno del tema pizzicato della viola, lasciando l’ascoltatore con un senso di quiete rassegnata, ma non di piena risoluzione.
Il secondo movimento cambia radicalmente atmosfera, catapultandoci in una danza grottesca e sardonica, tipica dello stile del compositore: basato su materiale proveniente dalla sua opera incompiuta I giocatori, questo Allegretto è uno scherzo macabro, pieno di energia frenetica e tagliente ironia. La viola è protagonista di una serie di tecniche percussive e aspre, come il colpo d’arco secco e i passaggi veloci e scattanti, che conferiscono al suono un carattere quasi scheletrico. Il pianoforte risponde con un accompagnamento ostinato e martellante, creando un ritmo incalzante che non lascia respiro. L’interazione tra i due strumenti è un gioco di inseguimenti e scontri, una parodia di una danza popolare che sembra costantemente sul punto di deragliare: non è una musica gioiosa, ma una risata amara, un commento sarcastico sulle follie della vita, eseguito con una lucidità quasi spietata.
Il finale, un Adagio, è il cuore emotivo e testamentario dell’opera: Šostakovič lo definì “luminoso e chiaro”, un omaggio a Beethoven che si trasforma in una profonda meditazione sulla vita, la morte e la memoria musicale. Il movimento si apre in un’atmosfera rarefatta, quasi ultraterrena, con il pianoforte che stabilisce un tappeto sonoro di accordi distanziati e risonanti, mentre la viola intona una melodia lunga, cantabile e infinitamente triste. Poi, emerge inconfondibile il celebre arpeggio della Sonata al chiaro di luna di Beethoven, non come una citazione diretta, ma come un ricordo lontano, un fantasma sonoro che aleggia sulla composizione: questo riferimento non è solo un omaggio, ma un ponte tra due epoche e due anime tormentate.
Da questo punto, il movimento si evolve in un incredibile flusso di coscienza musicale: Šostakovič intreccia frammenti tematici dei due movimenti precedenti con una serie di auto-citazioni dalle sue quindici sinfonie, creando un collage di memorie della sua intera vita creativa. L’ascoltatore non ha bisogno di riconoscere ogni singolo riferimento per percepire la portata di questo gesto, in quanto si parla di un compositore al termine della sua vita che guarda indietro, ripercorrendo il proprio cammino artistico con una lucidità struggente. Il movimento si spegne lentamente, con la viola che sale verso il registro acuto, fino a svanire in un pianissimo etereo. Le ultime note, sospese nel silenzio, non rappresentano una fine tragica, ma una sorta di ascensione, un passaggio verso un’altra dimensione: è la conclusione perfetta di un’opera che non è solo l’ultimo lavoro del compositore, ma il suo epitaffio musicale, un addio sereno e profondo al mondo e alla musica stessa.
Dmitrij Šostakovič (1906 - 9 agosto 1975): Dalla poesia popolare ebraica, ciclo di canzoni per soprano, mezzosoprano o contralto, tenore e orchestra op. 79a (1948-63). Anna Aglatova, soprano; Svetlana Šilova, mezzosoprano; Michail Gubskij, tenore; Orchestra Filarmonica di Stato di Mosca, dir. Vladimir Spivakov.
Il sole e la pioggia, la luce e l’ombra, la nebbia è scesa, la luna è impallidita.
– Ha partorito?
– È un maschio, un maschio.
– E come si chiama?
– Mojšele, Mojšele.
– E dove è stato cullato, Mojšele?
– In una culla.
– E che cosa gli hanno dato da mangiare?
– Pane e cipolle.
– E dove è stato sepolto?
– In una fossa.
Oh! Il piccolo in una fossa, in una fossa.
Mojšele in una fossa.
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci una mela,
così che non ci facciano male gli occhietti!
Ciao!
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci un pollo,
così che non ci facciano male i dentini!
Ciao!
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci un’anatra,
così che non ci faccia male il petto!
Ciao!
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci un’oca,
così che non ci faccia male il pancino!
Ciao!
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci dei semi,
così che non ci faccia male la testolina!
Ciao!
Ciao, ciao, ciao!
Va’ al villaggio, paparino!
Portaci un coniglietto,
così che non ci facciano male i ditini!
Ciao!
Il mio bambino è il più bello del mondo –
una luce nell’oscurità.
Tuo padre è in catene in Siberia,
Lo zar lo tiene in prigione!
Dormi, lju-lju, lju-lju!
Dondolando la tua culla
la mamma piange.
Quando sarai grande capirai
che cosa le brucia il cuore.
Tuo padre è nella lontana Siberia,
io nella miseria.
Ma ora dormi senza preoccupazioni, ah,
lju-lju, lju-lju, lju-lju!
Il mio dolore è più nero della notte,
Tu dormi, io non posso.
Dormi, mio caro, dormi, figlio mio, dormi,
lju-lju, lju-lju, lju-lju!
– Ah! Abraham, come vivrò senza di te? Io senza di te, tu senza di me, come faremo a vivere lontani?
– Ricordi, vicino al portico, che cosa mi dicevi in segreto? Ah! Rivočka, dammi le tue labbra, bambina!
– Ah! Abraham, come vivremo adesso? Io senza di te, tu senza di me, ah, come una porta senza maniglia!
– Ricordi, quando camminavamo insieme, che cosa mi dicevi sul viale? Ah! Rivočka, dammi le tue labbra, bambina!
– Ah! Abraham, come vivrò senza di te?
– Ah! Rivočka, come vivrò senza di te?
– Ricordi? Indossavo una gonna rossa. Ah, com’ero bella!
– Io senza di te, tu senza di me: come vivremo senza felicità?
– Ah! Abraham!
– Ah! Rivočka, dammi le tue labbra, bambina!
Ascolta, Chasja!
Non devi uscire, ti proibisco di uscire con la prima persona che incontri.
Fa’ attenzione!
Uscirai, starai fuori fino all’alba, ah!, e dopo piangerai.
Chasja!
Ascolta! Chasja!
Ele il rigattiere indossò il cappotto.
Sua figlia, dicono, è andata via con un poliziotto.
– Cirele, figlia mia, torna da tuo padre, ti darò abiti eleganti per le tue nozze.
Cirele, figlia mia, ti comprerò orecchini e anelli.
Cirele, figlia mia, e per di più sposerai un bell’uomo.
Cirele, figlia mia.
– Non ho bisogno di abiti, non ho bisogno di anelli.
E sposerò soltanto il mio poliziotto.
– Signor poliziotto, caccia via questo vecchio ebreo quanto prima.
– Cirele, figlia mia, torna da tuo padre!
Ah… torna da tuo padre! Cirele! Figlia mia!
Il tetto dorme dolcemente,
in soffitta, sotto la paglia.
Nella culla dorme un bambino,
nudo, senza fasce.
Hop, hop, più in alto, più in alto!
La capra mangia la paglia del tetto.
Hop, hop, più in alto, più in alto!
La capra mangia la paglia del tetto, oh!
La culla è nella soffitta,
nella culla un ragno tesse la mia infelicità.
Succhia tutta la mia gioia
e mi lascia solo miseria.
Hop, hop, più in alto…
C’è un gallo in soffitta,
la cresta rosso vivo.
Oh, moglie mia, prendi in prestito, per i piccoli,
un pezzetto di pane nero.
Hop, hop, più in alto…
La mia Šejndl è costretta a letto
e con lei giace il nostro bambino malato.
Nella capanna non c’è nulla per riscaldarla
e fuori ulula il vento.
Ah…
Il freddo e il vento sono tornati,
non c’è più la forza di soffrire in silenzio.
Gridate e piangete, bambini,
l’inverno è tornato.
Ah…
Dei vasti campi, miei cari amici,
non ho cantato durante gli anni bui.
Non è per me che i campi sono diventati verdi,
non per me la rugiada ha iniziato a scorrere.
In una stretta cantina, nell’umida oscurità,
vivevo un tempo, sfinito dalla miseria.
E dalla cantina saliva un triste canto
di dolore, della mia incomparabile sofferenza.
Fiume del kolchoz, scorri gioioso,
porta subito i miei saluti ai miei amici.
Di’ loro che la mia casa ora è nel kolchoz
e un albero in fiore sta sotto la mia finestra.
Ora i campi fioriscono per me,
mi nutrono di latte e miele.
Sono felice, e tu di’ ai miei fratelli:
d’ora in poi canterò i campi del kolchoz.
Nei prati, vicino al bosco
che è sempre così pensoso,
pascoliamo dall’alba al tramonto
le mandrie del kolchoz.
E io siedo sulla collina
con il mio piccolo flauto,
e non mi stanco di contemplare
la bellezza del mio paese.
Gli alberi, coperti di fogliame rilucente,
si ergono con grazia e delicatezza.
Nei campi il grano matura
colmo di bellezza.
Oj-oj, lju-lju!
A volte un ramo mi sorride,
una spiga ammicca all’improvviso.
Un sentimento di grande gioia
brilla nel mio cuore.
Canta, piccolo flauto!
È così facile per noi cantare insieme!
Montagne e valli ascoltano
la gioia del nostro canto.
Non piangere, piccolo flauto!
Dimentica la tristezza di un tempo.
Lascia che le tue melodie scorrano
nella dolce lontananza.
Oj-oj, lju-lju!
Sono felice nel mio kolchoz,
non senti? La mia vita è piena!
Più allegro, più allegro
devi cantare, piccolo flauto!
Ho preso coraggiosamente mio marito per un braccio,
anche se sono vecchia, e vecchio è il mio cavaliere.
L’ho portato a teatro con me
e abbiamo comprato due biglietti per la platea.
Seduti là con mio marito fino a tarda notte,
ci siamo abbandonati a sogni gioiosi –
quali benedizioni circondano
la moglie di un calzolaio ebreo.
E voglio raccontare a tutto il paese
della mia gioiosa e luminosa sorte:
i nostri figli sono diventati dottori –
una stella brilla sopra le nostre teste!
L’approfondimento
di Pierfrancesco Di Vanni
Dalla poesia popolare ebraica op. 79
Non si tratta di un semplice ciclo di canzoni, ma della testimonianza di un profondo atto di coraggio artistico e umano. Composto nel 1948, Dalla poesia popolare ebraica nasce in uno dei periodi più bui per Šostakovič e per l’intera Unione sovietica. Appena denunciato dal Decreto Ždanov per “formalismo” e costretto a una pubblica umiliazione, il compositore si trovava in una posizione di estrema vulnerabilità: in questo clima, segnato da una crescente ondata di antisemitismo di Stato che sarebbe culminata nella “congiura dei medici”, la scelta del compositore di musicare testi della tradizione ebraica fu un gesto di solidarietà tanto audace quanto pericoloso. Il fatto che l’opera, specialmente nella sua versione orchestrale, abbia dovuto attendere fino al 1964 per una prima esecuzione pubblica, sottolinea l’enorme rischio politico che essa rappresentava.
Lo stesso Šostakovič descrisse il fascino che la musica ebraica esercitava su di lui come «una melodia allegra su intonazioni tristi», una capacità di «ridere attraverso le lacrime»: questa dualità è il cuore pulsante dell’op. 79 e si manifesta fin dalle prime note.
L’organico orchestrale – pur essendo completo – viene spesso utilizzato con la delicatezza della musica da camera. Strumenti come il clarinetto, il flauto e l’ottavino emergono con inflessioni che ricordano chiaramente la musica klezmer: scale modali caratteristiche, glissandi lamentosi e ritmi saltellanti. Questi elementi creano un’atmosfera immediatamente riconoscibile. Tuttavia, Šostakovič non si limita a una semplice imitazione stilistica, ma integra questi idiomi nel suo linguaggio sinfonico, creando un tessuto sonoro che è allo stesso tempo folklorico e profondamente personale.
Il ciclo è diviso in undici canzoni, ma la sua struttura narrativa può essere interpretata come un dittico, diviso tra le prime otto canzoni (il nucleo originale) e le ultime tre (aggiunte per superare la censura).
Il ciclo si apre con un Lamento per un bimbo morto, instaurando subito un’atmosfera cupa e straziante. La voce è carica di disperazione contenuta, mentre l’orchestra – con il violoncello solista in primo piano – crea uno sfondo sonoro desolato: è un’elegia che trascende la singola storia per diventare un lamento universale per le vittime innocenti.
Canzoni come Mamma e zia premurose e la Ninna-nanna esplorano la vita familiare, ma sempre con un’ombra di precarietà e tristezza: la seconda, in particolare, è un capolavoro di ambiguità, con una melodia dolce, ma un’armonia sottostante inquieta, suggerendo che il sonno del bambino sia una fuga temporanea da un mondo ostile.
Il duetto Prima di una lunga separazione è uno dei momenti più toccanti: le voci si intrecciano in un dialogo di dolore e rassegnazione, descrivendo la separazione forzata imposta dalle leggi zariste. La musica qui è incredibilmente espressiva, dipingendo un quadro di sofferenza intima ma storicamente radicata. I brani successivi, Avvertimento, Il padre abbandonato e Canto sulla miseria, continuano a esplorare temi di perdita, povertà e ingiustizia, e trovano il culmine nella desolazione di Inverno.
Con la nona canzone, Una bella vita, il tono cambia bruscamente: le ultime tre canzoni – aggiunte da Šostakovič per placare le autorità – descrivono la presunta felicità e libertà di cui godevano gli ebrei sotto il regime sovietico. La musica diventa marcatamente più ottimistica, con ritmi marziali e melodie in tonalità maggiore.
Tuttavia, è proprio qui che emerge il genio sardonico del compositore, poiché questa “felicità” suona spesso esagerata, quasi caricaturale: il Canto della ragazza e Felicità risuonano con un’energia quasi teatrale e una gioia forzata, sostenute da un’orchestrazione bandistica e pomposa. Questo contrasto con l’autenticità emotiva delle prime otto canzoni è stridente e non può essere casuale: è come se il compositore, costretto a inserire un lieto fine propagandistico, lo avesse fatto con un’ironia così tagliente da trasformarlo in una critica. La vera sofferenza suona reale e profonda, mentre la “felicità” ufficiale suona vuota e artificiale.
Dmitrij Šostakovič (1906 - 9 agosto 1975): Quartetto per archi n. 3 in fa maggiore op. 73 (1946). Quartetto Borodin.
L’approfondimento
di Pierfrancesco Di Vanni
Quartetto per archi n. 3 in fa maggiore op. 73
Composto nel 1946, subito dopo la fine della seconda guerra mondiale e prima delle nuove purghe staliniste del 1948, l’opera rivela una straordinaria profondità psicologica e complessità strutturale. La tonalità è spesso instabile, riflettendo un mondo che ha perso le proprie certezze. La suddivisione in cinque movimenti, anziché i tradizionali quattro, permette a Šostakovič di costruire un arco narrativo epico: per la prima esecuzione – per evitare accuse di “formalismo” – il compositore diede ai movimenti dei sottotitoli programmatici che tracciano una sorta di “storia di guerra”.
Il Quartetto si apre in un’atmosfera di ingannevole serenità: il primo violino introduce un tema principale quasi infantile, una melodia spensierata e saltellante in una chiara tonalità di fa maggiore. Il dialogo tra il primo violino e il violoncello è giocoso, quasi una conversazione amichevole. La forma-sonata è chiaramente delineata: dopo il primo tema, emerge un secondo tema più lirico e cantabile, ma ancora immerso in un’aura di innocenza.
Lo sviluppo introduce le prime ombre: l’armonia si fa più complessa e cromatica, e il tema principale viene frammentato e trattato in modo più aspro, passando attraverso tonalità minori. La ripresa riporta il tema iniziale, ma la sua innocenza è ormai perduta e suona quasi come un ricordo forzato di una felicità passata. La coda accelera in un crescendo frenetico e si conclude con una serie di accordi secchi e perentori, che spazzano via ogni traccia della spensieratezza iniziale. La catastrofe non è ancora arrivata, ma la sua ombra si è proiettata in modo inequivocabile.
Il secondo movimento cambia radicalmente atmosfera: è uno scherzo spettrale, costruito su un ostinato della viola, sommesso e meccanico, che il violista esegue con una precisione glaciale, quasi disumana. Su questo tappeto sonoro, il violoncello introduce un pizzicato che suona come una minaccia in punta di piedi. L’inquietudine è palpabile e i violini entrano con melodie acute e lamentose, suonate “sul ponticello” per ottenere un suono vitreo e snervante.
La dinamica rimane per lunghi tratti in un pianissimo carico di tensione, che il quartetto gestisce con un controllo magistrale del suono: questa quiete è spezzata da improvvisi scoppi di violenza (fortissimo), brontolii che squarciano il silenzio. Il movimento non offre alcuna risoluzione e l’anticipazione della tragedia cresce costantemente, fino a dissolversi nel nulla, lasciando l’ascoltatore in uno stato di profonda ansia.
Senza alcuna pausa, il terzo movimento esplode con una violenza inaudita: tutti e quattro gli strumenti all’unisono martellano un tema brutale, dissonante e dal ritmo motoristico. Questa è la rappresentazione sonora della guerra: una macchina inarrestabile di distruzione. Le frasi sono brevi, spezzate e il tessuto musicale è saturo di dissonanze stridenti.
In un momento tipicamente šostakoviciano, il primo violino emerge con una melodia quasi banale, quasi una marcetta da circo, suonata sopra il caos implacabile degli altri strumenti: questo crea un effetto grottesco e terrificante, come se la follia della guerra avesse cancellato ogni logica. Il movimento culmina in un climax assordante, un collasso sonoro totale che rappresenta l’apice della devastazione. Lentamente, dalle macerie, emerge il tema della passacaglia del movimento successivo, introdotto prima dalla viola e dal violoncello.
Il quarto movimento, collegato attacca al precedente, è il cuore emotivo del Quartetto: è una passacaglia, una serie di variazioni su un basso ostinato. Il tema, esposto dal violoncello con un suono profondo e dolente, è una melodia di lutto e desolazione. Sopra questo tema ripetuto, gli altri strumenti intessono i loro lamenti: prima la viola con una melodia nuda e sofferente, poi il secondo violino e infine il primo, il quale si spinge al registro sovracuto, suonando pianissimo, come un pianto lontano e disperato. La musica è rarefatta, piena di silenzi che pesano quanto le note. È un vasto paesaggio di rovina e perdita, un requiem per le vittime della catastrofe. Il movimento non si conclude, ma si dissolve in un etereo armonico del primo violino, una nota fragile e sospesa che ci conduce direttamente al finale.
L’ultimo movimento s’inizia con una ripresa del tema apparentemente innocente del primo movimento, ma ora suonato dalla viola e dal violoncello in modo scarno, quasi scheletrico. L’innocenza è stata completamente prosciugata dalla tragedia e la domanda “perché?” è implicita in questa melodia svuotata.
Questo movimento è una sintesi e una riflessione sull’intero percorso del Quartetto: i temi dei movimenti precedenti riaffiorano come frammenti di memoria. Questi ricordi si scontrano, si interrompono a vicenda, senza trovare una sintesi o una risposta. Il primo violino tenta più volte di ristabilire la melodia iniziale, ma viene sempre interrotto o la sua melodia si dissolve. La lotta per trovare un senso è vana. Nell’ultima pagina, il tema del primo movimento ritorna per l’ultima volta, ma suonato pizzicato, come un fragile ricordo che si sta spegnendo. L’opera si conclude su un accordo di fa maggiore, ma è una conclusione ambigua, priva di trionfo: è una pace vuota, la pace di un cimitero e le ultime note pizzicate del violoncello suonano come l’eco finale dell’eterna domanda, lasciata senza risposta.
Dmitrij Šostakovič (1906 - 9 agosto 1975): Trio per violino, violoncello e pianoforte n. 1 in do minore op. 8 (1923). Zsolt-Tihamér Visontay, violino; Mats Lidström, violoncello; Vladimir Aškenazij, pianoforte.
L’approfondimento
di Pierfrancesco Di Vanni
Trio con pianoforte n. 1 in do minore op. 8
Scritta nel 1923 – quando l’autore, sedicenne, era un allievo del Conservatorio di Leningrado – e originariamente intitolata Poème, la composizione si rivela matura e premonitrice; dedicata al primo amore di Šostakovič, Tat’jana Glivenko, fu eseguita privatamente nel 1924, ma rimase inedita per quasi sessant’anni, venendo pubblicata solo negli anni ’80.
Il brano si apre in un’atmosfera di profonda malinconia e introspezione: è il violoncello a inaugurare il discorso musicale, da solo, con un tema ampio, lirico e lamentoso in do minore. Questa melodia, caratterizzata da ampi intervalli e da un andamento rapsodico, diventerà la cellula generatrice dell’intera opera. La dinamica è estremamente sommessa (pianissimo), creando un senso di intimità e vulnerabilità. Poco dopo, il violino entra imitando il tema del violoncello a un’ottava superiore, creando un canone che intensifica il carattere dialogico e dolente della musica. L’intreccio contrappuntistico tra i due archi è delicato e trasparente.
Il pianoforte fa infine il suo ingresso, non come protagonista, ma con accordi arpeggiati e rarefatti nel registro acuto, quasi a creare uno sfondo sonoro spettrale e vasto. Il suo ruolo è inizialmente atmosferico: da questo momento, i tre strumenti iniziano a sviluppare il materiale tematico, con un crescendo che porta a un climax, dove il pianoforte assume un ruolo più assertivo. La sezione si conclude con un ritorno alla calma iniziale, conducendo senza soluzione di continuità alla sezione successiva.
Qui il cambiamento è repentino e radicale: il pianoforte introduce un tema secco, ritmico e grottesco, caratterizzato da un andamento motorio e da accenti sardonici. Questo tema – secondo una lettera dello stesso Šostakovič alla Glivenko – fu recuperato da una sua precedente Sonata per pianoforte in si minore, andata parzialmente perduta. È un primo, chiaro esempio di quello stile “scherzoso” e tagliente che diventerà un marchio di fabbrica del compositore. Gli archi entrano in pizzicato, sottolineando il carattere percussivo e quasi demoniaco della sezione. Il dialogo tra gli strumenti diventa serrato e conflittuale, con brevi frammenti melodici scambiati rapidamente. La musica acquista una tensione crescente, raggiungendo un culmine di energia frenetica: qui, la scrittura diventa densa e virtuosistica per tutti e tre gli strumenti, con il violino che si lancia in passaggi acuti e stridenti. La sezione si dissolve con la stessa rapidità con cui era iniziata.
Nella terza sezione, la musica precipita in un abisso di disperazione, assumendo il carattere di una marcia funebre: il pianoforte scandisce accordi gravi, pesanti e solenni e, su questo tappeto sonoro, il violino e il violoncello intonano all’unisono un nuovo tema, un canto tragico e declamatorio. L’uso dell’unisono conferisce alla melodia una forza straordinaria, come se fosse la voce di un coro dolente. Questa sezione rappresenta il cuore emotivo del trio, culminando in un’espressione di dolore devastante prima di placarsi gradualmente.
Riemerge il tema lirico dell’inizio, ma completamente trasformato: non è più una melodia sommessa, ma un’affermazione potente e angosciata, suonata dal pianoforte in ottave fortissimo: questa non è una semplice ricapitolazione, ma una rivisitazione del passato alla luce delle esperienze tragiche e grottesche delle sezioni centrali. La nostalgia iniziale si è trasformata in un grido di dolore.
La conclusione del brano è tanto inaspettata quanto geniale: la musica scatta in un Allegro finale, una danza sfrenata e delirante che riprende l’energia motoria dello scherzo, portandola a un livello estremo. Questo vortice sonoro culmina in una serie di accordi potenti, dopo i quali la musica subisce un crollo improvviso.
Il tempo rallenta drasticamente e ritornano frammenti del tema iniziale, ora come un ricordo lontano e spettrale: è interessante notare che le ultime 22 battute della parte pianistica andarono perdute e furono ricostruite decenni dopo dall’allievo di Šostakovič, Boris Tiščenko, per consentirne la pubblicazione. Il pezzo si conclude in un pianissimo etereo, con il violino che tiene un armonico acuto e cristallino, mentre il pianoforte e il violoncello si spengono su un accordo finale in do minore, sigillato da un ultimo, secco pizzicato. Il finale non offre risoluzione, ma una sorta di rassegnazione esausta, chiudendo il cerchio emotivo del brano.
Dmitrij Dmitrievič Šostakovič (1905 - 1976): Concerto n. 2 in fa maggiore per pianoforte e orchestra op. 102 (1957). New York Philharmonic Orchestra; Leonard Bernstein, solista e direttore. Registrazione del 1958.
P.D.Q. Bach ovvero Peter Schickele (1935 - 2024): Eine kleine Nichtmusik (1977). The New York Pick-up Ensemble, dir. Peter Schickele.
Ecco un quodlibet alquanto irriverente. Se non riuscite a individuare tutte le composizioni citate, oltre ovviamente alla serenata quasi omonima (K 525) di Mozart, ne potete trovare qui di seguito i titoli, elencati in ordine di apparizione 😀
I movimento:
– Anonimo: Turkey in the Straw [0:06]
– Liszt: Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 [0:29]
– Brahms: Sinfonia n. 3, IV movimento [0:32]
– Mozart: duetto «Là ci darem del mano» dal Don Giovanni [0:39]
– Mozart: Concerto per pianoforte n. 23, I movimento [0:46]
– Mozart: «Voi che sapete» dalle Nozze di Figaro [0:53]
– Anonimo: Canto dei battellieri del Volga [0:58]
– Anonimo: D’ye ken John Peel? (canzone tradizionale inglese) [1:17]
– Mozart: Sinfonia n. 1, I movimento [1:25]
– Anonimo: El jarabe tapatio [1:33]
– Mozart: «Voi che sapete» dalle Nozze di Figaro [1:40]
– Rachmaninov: Concerto per pianoforte n. 2, I movimento [1:47]
– Sousa: The Thunderer [2:11]
– Beethoven: Sinfonia n. 7, IV movimento [2:14]
– Mozart: Sinfonia n. 41 (Jupiter), IV movimento [2:32]
– Dvořák: Sinfonia n. 9 (Dal Nuovo Mondo), I movimento [2:37]
– Brahms: Sinfonia n. 3, IV movimento [2:40]
– Brahms: Sinfonia n. 4, I movimento [2:50]
– Händel: «For Unto Us a Child Is Born» dal Messiah [3:03]
– Beethoven: Sinfonia n. 5, IV movimento [3:13]
– Emmett: I wish I was in Dixie [3:23]
– Šostakovič: Sinfonia n. 9, I movimento [3:35]
– Čajkovskij: «Marcia» dallo Schiaccianoci [3:44]
II movimento:
– Foster: Jeannie with the light brown hair [4:01]
– Čajkovskij: Nur wer die Sehnsucht kennt [4:38]
– Anonimo: Mary had a little lamb (canzoncina infantile) [4:52]
– Čajkovskij: scena dal Lago dei cigni [5:07]
– Beethoven: Concerto per pianoforte n. 3, I movimento [5:20]
– Rimskij-Korsakov: Shahrazad, Leitmotiv del violino solista [5:20]
– Franck: Sinfonia in re minore, I movimento [5:20]
– Mendelssohn: Frühlingslied, n. 6 dei Lieder ohne Worte op. 62 [5:33]
– Brahms: Sinfonia n. 4, I movimento [5:40]
– Anonimo (forse Davide Rizzio): Auld Lang Syne [5:53]
– Verdi: «Vedi, le fosche notturne spoglie» dal Trovatore [6:16]
– Wagner: Preludio da Tristan und Isolde [6:31]
– Anonimo: Alouette (canzoncina infantile) [6:48]
– Tema B-A-C-H (SI♭-LA-DO-SI) [7:04]
– Rachmaninov: Concerto per pianoforte n. 2, III movimento [7:12]
III movimento:
– Anonimo: Here We Go Loopty Loo (canzoncina infantile) [7:53]
– Beethoven: Sinfonia n. 5, I movimento [8:14]
– Von Tilzer: Take Me Out to the Ball Game (inno ufficioso del baseball negli Stati Uniti) [8:36]
– Musorgskij: tema dell’incoronazione da Boris Godunov [8:55]
– Anonimo: Oh, Dear, What Can the Matter Be? (canzoncina infantile) [9:12]
– Rimskij-Korsakov: Shahrazad, tema del giovane principe [9:23]
IV movimento:
– Foster: Oh, Susanna [9:56]
– Rossini: galop dalla sinfonia del Guillaume Tell [10:11]
– Schubert: Marcia militare [10:15]
– Franck: Sinfonia in re minore, III movimento [10:19]
– Sullivan: «Miyasama» da The Mikado [10:19]
– Grieg: «Nell’antro del re della montagna» da Peer Gynt [10:23]
– Schubert: Erlkönig [10:26]
– Musorgskij: tema dell’incoronazione da Boris Godunov [10:26]
– Anonimo: Ah!, vous dirai-je, maman (canzoncina infantile) [10:32]
– Franck: Sinfonia in re minore, III movimento [10:36]
– Foster: Old Black Joe (canto tradizionale) [10:44]
– Mozart: Sinfonia n. 29, IV movimento [10:50]
– Stravinskij: dal finale di Pétrouchka [10:55]
– Humperdinck: Hänsel und Gretel, atto I, scena 1a [11:03]
– Offenbach: «Galop enfernal» da Orphée aux enfers [11:07]
– Schumann: Sinfonia n. 1 (Frühlingssymphonie), I movimento [11:11]
– Anonimo: Travadja La Moukère [11:15]
– Musorgskij: «La Grande Porta di Kiev» dai Quadri di un’esposizione [11:19]
– Autore incerto: Westminster Quarters [11:20]
– Beethoven: Sinfonia n. 5, I movimento [11:20]
– R. Strauss: Till Eulenspiegels lustige Streiche [11:30]
Dmitrij Šostakovič (25 settembre 1906 - 1975): Sinfonia n. 9 in mi bemolle maggiore op. 70 (1945). Wiener Philharmoniker, dir. Leonard Bernstein.
Bernstein soleva dire che la Nona è la più leggera e la più haydniana delle quindici sinfonie di Šostakovič.
Dmitrij Šostakovič (1906 - 9 agosto 1975): Sonata per pianoforte n. 2 in si minore op. 61 (1942). Emil Gilels.
la regina gioiosa